El Museo Experimental el Eco inaugura DESTINO, propuesta creada por el artista mexicano Mario García Torres en la que convergen tanto estrategias de teatro como de producciones televisivas

Viernes, 09 Septiembre 2022 10:17

 

 

 

* Participan Marisol Cal y Mayor (Altagracia), Eduardo Donjuán, Isa Genzken, Fausto Melotti, Carmen Ruiz, Alejandro Suárez, Tunga, Franz West, Heimo Zobernig y Héctor García.
** Esculturas de la Colección Isabel y Agustín Coppel, un monólogo, una coreografía y una obra de sonido se conjuntan para crear un ensayo museográfico que está siempre activo.
*** La muestra versa sobre espacios liminales, el fracaso y la decepción, y rememora los momentos en que El Eco dejó de ser museo
**** DESTINO estará abierta al público del 10 de septiembre al 6 de noviembre de 2022.
***** Consulta la página del Museo Experimental El Eco

 
Después de once años, el artista mexicano Mario García Torres regresa al Museo Experimental el Eco. El sábado 10 de septiembre a las 13:00 horas se inaugura DESTINO, exposición en la que convergen tanto estrategias de teatro como de producciones televisivas.
 
En DESTINO, esculturas de la Colección Isabel y Agustín Coppel, un monólogo, una coreografía y una obra de sonido se conjuntan para crear un ensayo museográfico que está siempre activo.  
 
DESTINO es una muestra coproducida por CIAC, A.C. y el Museo Experimental el Eco específicamente para este espacio, el cual, si bien, fue establecido como museo a principios de la década de los 50, pronto perdió su vocación para transformarse sucesivamente en un restaurante, una discoteca, la sede de una compañía de teatro y un gimnasio de boxeo, antes de ser rescatado y regresado a su función original.
 
Esta muestra versa sobre espacios liminales, el fracaso y la decepción, y rememora los momentos en que El Eco dejó de ser museo.  
 
Durante DESTINO, las distintas obras que se presentarán serán continuamente activadas y desactivadas mediante un juego de luces y sonido en un tipo de coreografía. En otros momentos, la exposición se vuelve un escenario real en donde diversos actos y personajes confluyen.
 
Fechas de performances:
22 y 29 de septiembre; 6, 20 y 27 de octubre, 2022.
 
La asistencia a los performances es de aforo limitado. El acceso será únicamente por registro previo en la plataforma que estará activa desde la página del museo, a partir del 10 de septiembre.
 
SEMBLANZAS
 
Mario García Torres (Monclova, México, 1975)
Vive y trabaja en Ciudad de México, México. Es un artista mexicano que en 1998 recibió el título de Bellas Artes por la Universidad de Monterrey y continuó posteriormente sus estudios de maestría en el Instituto de las Artes de California, de donde se graduó en el 2005. Dos años después recibió el premio Cartier en la feria de arte Frieze en Londres. García Torres tiene el instinto y los métodos de investigación de un reportero o de un historiador del arte. La apropiación, la narrativa, la repetición, la recreación y los tropos del reportaje son algunas de las estrategias que emplea para descubrir las limitaciones de la memoria y la subjetividad del registro histórico para cuestionar las ideas universales sobre la verdad, la certeza y el tiempo, temas centrales en el desarrollo de su obra.
 
Colección Isabel y Agustín Coppel
Como asociación civil, Colección CIAC, A.C. se ha comprometido con la investigación y difusión del arte contemporáneo apoyando exposiciones, publicaciones, proyectos artísticos y de investigación relacionados con las prácticas contemporáneas. Además de los apoyos que brinda esta asociación y con el objetivo de crear un diálogo más cercano con un público más extenso, CIAC realiza diferentes proyectos que toman forma en exposiciones, publicaciones, apps, audioguías, los cuales permiten no solo mostrar su acervo, sino también generar y compartir conocimiento en torno al arte de nuestro tiempo. Para la realización de estos proyectos, CIAC trabaja de manera cercana con reconocidos profesionales del arte, así como con museos públicos y privados y concibe estas colaboraciones como una forma de llegar a públicos diversos.
 
Marisol Cal y Mayor (CDMX, 1984)
Artista escénica y directora de la compañía Altagracia. Su trabajo se centra en la creación de imágenes en movimiento que crean símbolos gestuales, narrativas mudas y estados que provocan al espectador.  Sus principales ejes temáticos en sus obras han sido la relación entre placer y dolor, la sensualidad y temporalidad erótica femenina, así como la transformación simbólica del cuerpo humano. Obtuvo la beca FONCA Jóvenes Creadores 2014-15 para crear la obra Bar Nostalgia, así como en 2017-18 para crear Descarnado. Es creadora e intérprete de obras escénicas y videodanzas tales como: Fragilanimala, Das Ist Kein Fleisch!, Bar Nostalgia, Disembodied, Hold, Dark Matters, Leda, Lanzar Negro, Celebration; presentándose en las principales sedes del país y seleccionadas en festivales nacionales y extranjeros.
 
Eduardo Donjuán
Guionista en el presente y productor en el pasado. Actor y comediante aficionado de tiempo completo.
 
Isa Genzken (Bad Oldesole, Alemania, 1948)
Vive y trabaja en Berlín, Alemania. Es considerada una de las artistas más influyentes de finales del siglo XX y principios del siglo XXI. Ha estado trabajando a través de una diversa selección de medios, entre ellos: fotografía, collage, dibujo, libro de artista, película, ensamblaje, instalaciones a gran escala y, por consiguiente, ha redefinido la comprensión de la escultura: la relación del individuo con su entorno (escultórico), el cual siempre ha sido un tema central para ella, tanto física, como psicológicamente. De manera formal, Genzken se ha inspirado en la modernidad y en su expresión estética de la arquitectura urbana, así como en la cultura del consumismo. Genzken ha establecido un acercamiento a la escultura que examina críticamente el arte americano y alemán de los años de la posguerra al tiempo que produce un lenguaje pictórico totalmente independiente y distintivo. Mientras todavía estudiaba en Hamburgo, Düsseldorf y Colonia, ella hizo amistad con pioneros del arte minimalista y conceptual como Lawrence Weiner, Dan Graham, Carl Andre y Michael Asher. No solo se inspiró en los discursos artísticos de su época, sino también en la futurística arquitectura de Estados Unidos, los rascacielos de cristal y acero con superficies reflectantes que, en términos de dimensiones y modernidad, representaban un opuesto diametral a la típica arquitectura de la Alemania de la posguerra. En la práctica de Isa Genzken el tema recurrente siempre ha sido la autorreflexión y el intento de posicionarse a sí misma dentro de la sociedad y de la cultura contemporánea. Su propia biografía y una especie de proceso de pesar y balancear al sí mismo y a su contraparte juegan un rol fundamental. En la experiencia espacial del trabajo de Genzken, el espectador se convierte en el sustituto de la artista.
 
Fausto Melotti (Rovereto, Italia, 1901 – Milán, Italia, 1986)
Fue un escultor, pintor y poeta; estudió música, matemáticas e ingeniería antes de comenzar a incursionar en el arte, todas esas disciplinas influenciaron directamente su producción posterior. Enfocado en un comienzo en el arte figurativo, Melotti estudió en la Accademia di Brera en Milán, donde conoció en 1928 a quien se convirtiera en su gran amigo: Lucio Fontana. La siguiente década, Melotti comenzó a adentrarse en la abstracción, produjo esculturas hechas a base de alambre, latón, así como terracota, entre otros materiales, en las que el orden, el ritmo, la forma y la proporción jugaban un rol fundamental.
 
Entre 1941 y 1943 Melotti vivió brevemente en Roma; optó por recuperar en su trabajo, después de la Segunda Guerra Mundial, principios como el de la armonía, el orden, la geometría y las estructuras musicales para integrarlas a su lenguaje artístico, ya fuera en el formato de escultura, escenografía teatral o trabajos en papel. Durante y después de la guerra, se distanció parcialmente de la abstracción y encaminó su trabajo hacia cierta figuración para crear, a futuro plazo, una muy sutil mezcla entre la abstracción y la figuración en su trabajo.
 
Carmen Ruiz
Compositora, arreglista, música y cantante mexicana (Chiapas) que ha colaborado como directora musical, tecladista, acordeonista y corista de artistas como Natalia Lafourcade, Meme del Real (Café Tacvba), Pepe Aguilar, Julieta Venegas, entre otros. Como solista debutó en el Festival Internacional del Arpa 2017. Ese mismo año graba su primer disco solista, “Blanquinegro” publicado en agosto de 2018. Se ha presentado en lugares como el Museo Jumex, en el Teatro de la Ciudad, en el Lunario del Auditorio Nacional, el Zócalo de la Ciudad de México, entre otros. Ha publicado tres EPs en vivo con su orquesta de cámara, varias colaboraciones y un dos EPs tributo a la canción latinoamericana bajo el nombre de “Herencia” y “Legado”. Ha dirigido y hecho arreglos para el coro “El Palomar” que acompañó a Vivir Quintana en “Canción Sin Miedo” en marzo del 2019. Actualmente se encuentra trabajando en su segundo disco de larga duración, que verá la luz a finales del 2022.
 
Alejandro Suárez (Ciudad de México, 1941)
El actor y comediante mexicano Alejandro Suárez comenzó en 1959 con un programa llamado Chucherías, en el que participó con algunos comediantes más parodiando, algunos programas famosos de la época. En la pantalla grande fue parte de Romeo contra Julieta (1968) y ¡Persíguelas y... alcánzalas! (1969). Fue durante la década de los 70 que este comediante alcanzó el punto más alto de su carrera, pues participó en producciones: mexicanas populares, como La carabina de Ambrosio (1978-1987). En producciones más contemporáneas fue parte de La calle de la amargura (2015), dirigida por Arturo Ripstein, la cual compitió en el Festival de Cine de Venecia. Recientemente, volvió a colaborar con Ripstein en El Diablo entre las piernas (2019) junto a Silvia Pasquel, la cual se presentó en el Festival Internacional de Cine de Morelia en 2019.
 
Tunga (Palmares, Brasil, 1952 – Río de Janeiro, Brasil, 2016)
Antonio José de Barros Carvalho e Mello Mourão, conocido como Tunga, fue un artista brasileño que desde la década de los sesenta trabajó en una multiplicidad de medios que incluyen escultura, dibujo, instalación y performance. Su obra se conforma por complejos ensamblajes que combinan una variedad de materiales industriales como hierro, bronce, cobre, vidrio, plomo, y otros materiales naturales como hueso, pelo, uñas, dientes, cuero.  Esta inclinación por lo multimedia está ligada a una comprensión del arte como un campo multidisciplinar en el que la filosofía, las ciencias naturales y la literatura van de la mano con las artes visuales; donde el artista, el científico y el poeta persiguen un mismo interés: indagar en lo desconocido. En esta línea, Tunga recurre frecuentemente a los campos del psicoanálisis, la química, la física, la astrología y la alquimia para contrastar y jugar con materiales, imágenes y símbolos que añaden un tono de misterio y misticismo a eso que aparentemente reconocemos, pero que no es revelado del todo. Para el artista, sus obras son como experimentos donde el proceso de descubrimiento es más importante que el propio resultado. Su instalación À La Lumière des Deux Mondes fue la primera obra contemporánea en exponerse en la pirámide del Museo del Louvre.
 
Franz West (Viena, Austria, 1947-2012)
La obra de Franz West se distingue porque busca establecer una relación con el espectador de forma activa y no contemplativa; el artista provoca, tanto la interacción directa de la obra con el cuerpo de los espectadores como la interacción de los cuerpos de los espectadores entre sí en el espacio público. El discurso de West sobre su obra es abierto e indefinido. La interacción entre el observador y la obra, así como la experiencia individual son indispensables. Esta apertura o borramiento de los límites entre la obra y el público, así como las referencias y disertaciones sobre la forma en la que vemos, actuamos y nos colocamos frente al arte han puesto la producción del artista como un antecedente directo del arte relacional, ya que en ella busca la unificación del arte con la vida y rompe así el límite de la contemplación pasiva para promover el arte como experiencia. El artista busca estas experiencias a través del humor, el juego y el asombro. La mayor parte de su obra alude a formas orgánicas. Las más usadas recuerdan a estómagos, tripas y vejigas, pero sus colores llamativos y su factura les permite conservar un equilibrio entre la sorpresa y la repulsión. Está también el uso de materiales simples y cotidianos (papel maché, hojas de aluminio, resinas, tapetes de segunda mano y yeso) ensamblados más que producidos y pintados con colores vivos de acabado brilloso. El rosa chicle era uno de sus favoritos —según relató en varias entrevistas—, pues le recordaba a la masa con la que su madre, odontóloga, tomaba las impresiones dentales de sus pacientes. Lo grotesco, lo escatológico, lo inacabado, lo accidental y también lo espontáneo aparecen en la obra temprana de West y son cualidades que permanecen a través del tiempo. Él reconoce y relaciona estas características con el humor vienés y también con su deseo personal de contacto humano, de comprensión de lo humano. Es esta la razón por la cual explora en su obra sobre la relación del lenguaje y las formas tridimensionales; el arte y la vida, el psicoanálisis y el poder de los objetos, la cultura, la seducción, la identidad, la pereza, el aburrimiento, el deseo sexual y la borrachera, entre otros.
 
Heimo Zobernig (Kötschach-Mauthen, Austria, 1958)
Vive y trabaja en Viena, Austria. La obra de Heimo Zobernig indaga en torno a los lenguajes estéticos de los cánones artísticos del siglo XX. En ella se expresa un interés especial por los lenguajes formales y los fundamentos teóricos del constructivismo, la teoría del color, la abstracción geométrica, el minimalismo y el posminimalismo a través de una variedad de medios que van desde la escultura y la pintura hasta la intervención e instalación arquitectónica, el performance, el cine y el video. Asimismo, su obra se alimenta del diseño, la arquitectura y el teatro. El curador Jürgen Bock afirma lo siguiente en torno a la manera en que Zobernig retoma y mezcla elementos de distintas corrientes artísticas: “A través de la apropiación del discurso histórico del arte, expone las narrativas básicas y las posiciones ideológicas subyacentes para desestabilizar y reinterpretar con una luz táctil y una economía de medios, pero también con una metodología que los espectadores a menudo pueden experimentar como inquietante, juguetona, seca y humorística”. La propuesta artística de Zobernig explora la relación entre los lenguajes formales y la producción de significado. Su obra se caracteriza por tomar en consideración los aspectos arquitectónicos del espacio expositivo y buscar eliminar la distancia entre la obra de arte y el público; además, hace una aproximación crítica e interrogativa a los discursos normativos del arte que busca romper con prejuicios y cánones estéticos de la modernidad a la vez que da continuidad a sus posibilidades.
 
Héctor García (Ciudad de México, 1923-2012)
La vida de la Ciudad de México y sus aconteceres no pasaron desapercibidos para Héctor García, un fotoperiodista que parecía tener el don de la ubicuidad. Al desplazarse rápidamente en su motoneta y cargando dos cámaras cruzadas al pecho “como cananas”, García documentó lo mismo la pobreza de México, acontecimientos políticos, como la vida social de los protagonistas culturales del país, e incluso espacios icónicos como el Salón México, en donde las formas de diversión y convivencia comenzaban a transformarse. Las fotografías de Héctor García son un legado cultural importante para México, no solo porque lograron trascender los periódicos gracias a su enorme calidad estética, sino porque representan una parte importante de la memoria visual del México posrevolucionario.
 
DESTINO estará abierta al público del 10 de septiembre al 6 de noviembre de 2022.